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Ni se crea ni se destruye, simplemente se transforma. Por Ferran Destemple.

Pequeñas notas sobre la supervivencia y autodestrucción del arte: Breves apuntes sobre el arte correo visto a través de la óptica situacionista

Ha habido un par de noticias relacionadas con el arte correo que me han llamado especialmente la atención, y curiosamente con casi los mismos protagonistas. La primera, que ya lleva algunos meses circulando, ha sido la muerte y resurrección, en el Museo Mausoleo de Morille, del arte correo como tal. Esta ha sido una iniciativa de dos célebres e incansables mail artistas: César Reglero (espíritu del ya célebre BOEK 861) y Antonio Ibírico. Ellos dos han lanzado una convocatoria internacional para enterrar el Mail art (enterrarlo físicamente ya que el Mausoleo de Morille es un cementerio de arte) con la esperanza, con la convicción de que el arte correo renacerá con más fuerza.

Destruir el arte es un tema que tiene ya una historia. Mítica la muerte de la pintura anunciada tantas veces. Sin embargo algunos acontecimientos recientes  me han hecho volver a pensar en las tan llevadas muertes, resurrecciones y fines de las cosas. Recuerdo que de adolescente vi el programa de Robert Hughes sobre arte del siglo XX que traducido al castellano se vino a llamar “El impacto de lo nuevo”. En uno de sus capítulos vi como el escultor Jean Tinguely creó una máquina, una escultura, que a la vez que producía arte se autodestruía. El arte ni se creaba ni se destruía simplemente, como la energía, se transformaba. “Hommage à New York, que así se llamaba la obra, entró en acción por primera y única vez el 17 de marzo de 1960 en el Jardín de Esculturas del MoMa y, según su autor era un homenaje a la Gran Manzana. Para Tinguely, la destrucción de su obra era un alusión a la naturaleza efímera de la vida. Hoy en día, lo único que queda de ese evento son algunas fotos y un película que dan testimonio de lo acontecido.

Si paramos atención, veremos que hace unas semanas aconteció también otro hecho, que las noticias han llamado artístico, y que tiene mucha relación con lo anteriormente expuesto: vimos televisada la autodestrucción (¿quizá fallida?) de un cuadro del artista urbano, Banksy. Todos hemos visto las imágenes y por ello no voy a volver a explicar lo sucedido. Simplemente notar una diferencia entre la máquina de Tinguely y la de Banksy. La primera era una reflexión sobre el arte, sobre la escultura, sobre cómo la destrucción también puede ser creativa. En la acción de Banksy solo se ha hablado, estrictamente, de dinero. No se ha hablado de crear o destruir arte, sino de cómo la acción de la destrucción (¿fallida o expresamente fallida?) había transformado el objeto no en otro distinto, sino en algo irrelevante pero físico que había transmutado no su esencia ni su espíritu sino su precio (que no valor).

Para mi (lego en el arte contemporáneo y en el simulacro y especulación de sus precios) fue espeluznante observar como la misma empresa de subastas afirmó (basándose en no sé qué razones) que el precio de la obra había aumentado lo que se dice una barbaridad. Estos ejemplos de alteración del precio de las obras de arte ya los hemos observado otras veces (caso paradigmático es el de la calavera del “provocativo” Damien Hirst), pero no debemos extrañarnos porque no deja de ser sino el reflejo de lo que pasa habitualmente con la economía “creativa” tan en boga en los últimos años. Hay que reconocer que este tipo de arte (denominado por los expertos “realismo globalizador”) es el abanderado, el buque insignia de lo que pasa en una sociedad cada vez más ensimismado y atenta a la especulación y al precio de su propio acontecer.

Ha habido, sin embargo, propuestas honestas sobre el arte destructivo. Un ejemplo clásico de un artista, creo poder decir que insobornable, es el de Gustav Metzger. Metzger acuñó este término a principios de la década de los años 60 en la revista Ark, en un artículo llamado “Máquina, arte autocreativo y autodestructivo”, para describir obras de arte hechas por él, y también por otros artistas, en las que la destrucción de la obra era parte de su creación y como protesta contra la guerra nuclear y el clima pre-bélico de la guerra fría. Sus obras fueron creadas rociando ácido sobre telas de nailon enmarcadas. El ácido produjo cambios en la materia, lo que hizo que la obra fuera autocreativa y autodestructiva a la vez.

Para el artista alemán este tipo de arte era inherentemente político, anticapitalista y anticonsumista. Tocaba el tema de la morbosa fascinación humana por la destrucción así como la nefasta influencia de las máquinas en nuestra vida.  Organizó en Londres y Nueva York, en 1966 y 1968 respectivamente, el “Destruction in Art Symposium”.

Lejos queda la posmoderna propuesta del filósofo Arthur C. Danto, basada en Hegel, en la que predecía la muerte del arte. La muerte del arte como fenómeno histórico, como reflejo de la progresión lineal de la historia. Sí creía el crítico del diario The Nation, que continuaría habiendo arte, pero creía que éste sería básicamente posthistórico y, en cierta manera, liberaría a los artista de las cadenas del progreso. Muy lejos queda esa propuesta, pero si nos atenemos al arte llamado contemporáneo creo que muy certera en parte. El arte contemporáneo es un arte atemporal, ahistórico que tiene como fundamento únicamente el capital, el dinero. Se ha liberado de la historia pero no es más libre, sino que está ligado intrínsecamente al concepto de capital. Un capital que se multiplica, es unas exponenciales plusvalías, sin ningún tipo de justificación. Este arte nace muerto pero, sin embargo, su valor no deja de aumentar, incluso cuando el objeto “afirma” que se autodestruye y su creador es simplemente una entelequia.

Retornando al principio, al enterramiento y resurrección del arte correo, me gustaría precisar algunas cosas que normalmente se pasan por alto cuando se habla de esta práctica. Se conoce su origen, sus precursores, sus teóricos, pero creo que se adolece de miopía y la mayoría de sus artistas carecen de una visión, llamémosla telescópica. Evidentemente no tienen porqué tenerla, ya que muchos de ellos disfrutan, simplemente, haciéndolo.

Aunque podemos decir que debemos a Ray Johnson (EEUU. 1927-1995) el nacimiento del arte correo moderno, también podemos decir que es en el periodo FLUXUS cuando se expande exponencialmente. Y hablo de FLUXUS porque, simplificando, podemos afirmar que es un movimiento artístico ahistórico, es decir, que no busca la superación de las etapas anteriores del arte, sino que piensa básicamente en presente, en el juego, en las opciones posibles. Este movimiento sitúa a los artistas en horizontal, no en vertical. Con ello quiero decir que no establece, al menos a priori, una jerarquía entre los artistas sino que los sitúa en un plano horizontal donde cada cual tiene sus peculiaridades y particularidades, sus usos y costumbres, sus prácticas y técnicas, pero donde los conceptos de genio y originalidad de la etapa moderna quedan un tanto relegados, apartados.

El arte correo a través de los ojos del situacionismo.

Mi intención en este breve artículo es también intentar leer el mail art a través de los ojos del situacionismo. Normalmente se ve el arte correo como una mezcla un tanto caótica, tanto de objetos artísticos como de actitudes respecto al arte. Ello es completamente cierto pero esa apreciación es, básicamente, porque se observan los hechos de una forma microscópica, se observan las pequeñas comunidades, con sus particularidades concretas pero se carece de una visión que incluya todas esas manifestaciones (tarjetas postales, apropiacionismo, stamp-art, fotocopias, suplantación de personalidad, nombres múltiples, revistas y fanzines, stickers, add&pas, escritura asémica, poesía visual etc, etc) y examine el fenómeno como una enorme, informe, indeterminada y mutable escultura social.

Visto así, el arte correo es una gigantesca escultura de relaciones (antecediendo a lo que ahora Nicolas Bourriaud ha llamado “la estética relacional”) que se mueve en múltiples direcciones a la vez (seguramente en direcciones opuestas) y que debe contemplarse telescópicamente para, si es posible, advertir sus límites. Esta escultura está viva y contiene miles de conciencias que sí actúan, que sí crean, que también destruyen y que paradójicamente es anónima aunque está formada por miles de identidades.

Quizá, y para tener una imagen metafórica que facilite la comprensión del fenómeno del arte correo, podemos compararlo al funcionamiento del cerebro, donde no existe un núcleo central, sino muchos nodos que se relacionan entre sí, de muchas y diferentes maneras, con muchas y distintas prácticas y jerarquías. Este cerebro regula tanto las actividades voluntarias y conscientes de sus miembros como las inconsciente o implícitas en sus prácticas. La neuronas, que son las unidades básicas, son los grupos que se forman dentro de esa escultura social y que establecen sus relaciones como las neuronas se relacionan entre sí, a través de la sinapsis, es decir, de una conexión que transfiere la información de un nodo a otro nodo, de una neurona a otra neurona.

En mi empeño por situar esta disciplina y práctica artística dentro del ámbito situacionista y para que no quede simplemente en un capricho personal, enumeraré brevemente algunos de los elementos que comparten:

>Evidentemente la deriva. El mail art es básicamente deriva. Cuando uno se adentra en esta red internacional no sabe bien con qué artefacto se encontrará, quienes serán sus interlocutores, si tendrá afinidades con unos o bien con otros. Por lo tanto, no le quedará más remedio que ir navegando un tanto a ciegas e ir atracando en aquellos puertos que, por azar, le han llamado la atención. El mail artista puede probar un montón de prácticas, puede desechar unas y afiliarse a otras, pero no por ello está dentro o fuera de la red. En esta enorme escultura social todo cabe e ir dando tumbos es un requisito indispensable. Evidentemente no se ciñe al espacio urbano como proponían los situacionistas, sino que expanden su territorio a todo el globo, a toda esa red eterna de posibles situaciones.

>El juego. El juego interpretado como parte indispensable de la vida, de “esa vida cotidiana” propia del “Homo ludens” que reivindicaban los situacionistas. Una vida cotidiana que necesita otra forma de entender el tiempo para transformarse y alejarse de las formas capitalistas de entender el tiempo. En los juegos propuestos en la Red tienden a desaparecer los elementos directamente derivados de la inmersión económica en la que nos movemos. Los artistas que forman parte de la Red Eterna lo que hacen básicamente es jugar, producir juegos y participar de la vida tan en serio como el juego al que juegan se lo permita.

>El détournement o desvío. El desvío es una práctica que consiste en descontextualizar y recontextualizar, en apropiarse artística y políticamente de algún objeto o imagen producida hegemónicamente y distorsionar su uso o su significado primigenio para obtener un efecto, a la vez, crítico y sorprendente.

Este método, esta práctica aunque ha sido adjudicada a los situacionistas, puede encontrarse en cualquier época y en múltiples circunstancias, aunque es en la época de los medios de comunicación de masas cuando adquiere su máxima difusión.

>Potlatch. Hay otro elemento, que aunque no propiamente situacionista, está también implícito en esta práctica artística, me fiero al Potlatch, al regalo. Potlatch fue el nombre de la revista de la Internacional letrista que creó el poeta rumano Isidore Isou, y su nombre viene de una ceremonia practicada por los pueblos aborígenes de la costa del pacíficos en el noroeste de Norteamérica. No entraré en detalles simplemente comentaré que “el regalo” era utilizado como elemento de equilibrio entre grupos sociales cuando uno de ellos sufría algún percance. El potlatch es central en el arte correo y funciona, en cierta manera, de la misma forma en que lo hacía en estas comunidades.

Por último y para cerrar este impulsivo artículo, comentaré también otra acción en relación al arte correo que ha tenido lugar en el Campus de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha. Los anteriormente mencionados Ibírico y César Reglero junto con su compañero de aventuras Salvador Benincasa “Valdor” han donado gran parte de sus respectivas colecciones a los fondos del Museo Internacional de Electrografía (MIDECIANT). En una entrevista que grabaron con tal motivo se mencionaba algo que quiero comentar: se habla de la posible contradicción que se produce al museografiar algo que todavía está vivo, que es susceptible de cambio y mutación.

Creo que es evidente que los museo de arte contemporáneo viven con la inevitable contradicción de clasificar, conservar, jerarquizar y dictar canon sobre realidades artísticas que aún están en movimiento, que aún están vivas. El arte correo, es tan extenso y vasto, que es muy difícil establecer sus límites y esa es una de sus virtudes. El arte correo debe autotransformarse continuamente para evitar esa fosilización, para evitar que se establezca académicamente qué es lo correcto y artístico y qué es lo que no. No debe dejarse capturar por la anestesia de la curaduría y los catálogos. También es cierto que los museos de arte contemporáneo van cambiando sus valores y que cada vez más proponen en vez de establecer o dictar.

Los practicantes de mail art confiamos que el Museo Internacional de Electrografía aprovechará todos esos fondos para proponer más juegos, para difundir opciones, para mostrar posibilidades a los ciudadanos que desconocen la versatilidad y variedad de unas prácticas que el arte contemporáneo, sin duda, debe tener en cuenta y valorar como se merecen.

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ANTOLOGÍA APROPIACIONISTA DE LA POESÍA VISUAL ESPAÑOLA por César Reglero

Paco Muñoz Anglada – Crítico de Arte

Hablar del libro de Cesar Reglero es entrar en una experiencia personal del autor. Él nos habla de la parte histórica como inicio de su trabajo, así como de las citas utópicas apropiacionistas. En libros de arte encontramos datos que el traslada como referencia. Su trabajo incide  en la poesía visual en la que él es un maestro. Desde que lo conozco siempre lo he visto activo con propuestas y proyectos. Este libro ( Antología Apropiacionista de la Poesía Visual) es un compendio de teorías y mímesis sobre el apropiacionismo como base de su experiencia en la poesía visual. Ha sido el artífice  del Taller del Sol,primer museo de España de Mail Art y poesía visual cita en Tarragona. Ha realizado montajes y organizado multitud de acciones en la que otros artistas visuales participaban dinámicamente.

https://www.rtve.es/alacarta/videos/creadores/aventura-del-saber-serie-creadores-cesar-reglero/1907585/

Como experiencia personal Cesar Reglero en 1976 empezó a manipular periódicos, de ellos principalmente del semanario El País. Estos semanarios son pintados, tachados, recortados, quemados y creando escenografías. Una cantidad inmensa de semanarios con una cualidad fuera de dudas produce un tachismo que no envidiaría a un Antonio Saura.

En 2005 realiza una exposición  “Prensa Gráfica Obsesiva 1976-2005. El reportaje se publicó el 13 de marzo en el periódico El Pais

http://cesarreglero.com/Cesar-Reglero

En el libro habla de las influencias de las fotocopiadoras, Internet, Photoshop  y de la facilidad que tienen los artistas visuales de realizar sus obras, la manipulación de objetos, los plagios de obras de arte y de textos antiguos.

Las experiencias  de Fluxus, Ives Klean, Beuys, La Bauhaus con Paul klee, Kandinsky y Joseph Albert está implícita en el trabajo de Cesar Reglero.Él transforma el arte en una dinámica personal que lo hace cotidiano y que hace pensar que todos podemos ser artistas.

Paco Muñoz Anglada

Crítico de arte

Comisario de Arte y Certámenes Artísticos

Una Jornada con Sergi Quiñonero en la Granadella

Sergi Quiñonero en una de sus actuaciones

César Reglero

25 años hace que nos conocemos, pero Sergi Quiñonero siempre es una fuente de sorpresas y de activismo cultural. Así que una jornada con él nos puede deparar múltiples sorpresas y una inmersión en el arte desde una dimensión más humana y cercana a la tierra. Y este fue el caso en una jornada que comenzó con una visita a su exposición individual “Cosmologies” en el CCOC Centre de la Cultura de l`Oli de Catalunya de la Granadella (Lleida) y que podrá ser visitada hasta el 2 de Octubre. Proyecto seleccionado dentro del marco OliverArt 2020. El espacio es magnífico y por sí solo ya merece una visita. Pero es que además la obra de Sergi nace de la propia naturaleza y se vive con la emoción de quien ha realizado una creación desde las entrañas, con lo cual el espacio del CCOC adquiere una mayor intensidad.

Obra “Rusc” de Sergi Quiñonero

Obra “Liquens” de Sergi Quiñonero

Posteriormente nos llevó a visitar El Mirador del Coll de Bovera. Una de las vistas más espectaculares que se pueden contemplar en la comarca de Les Garrigues. Difícilmente inmejorable, pero que se ha visto enriquecida con la propuesta del proyecto OliverArt en su apartado de intervenciones en el entorno (formando parte de “Camins d´Art”). Al igual que sucede con la exposición de Sergi, es absolutamente respetuosa con el paraje y convierte este recorrido guiado por nuestro anfitrión, en una historia que solo se puede explicar por la conjunción de elementos que se han puesto de acuerdo para que el arte experimental y ecológico cobre una dimensión dinámica de amplio recorrido en una región que bien merece este esfuerzo para dar un nuevo impulso a una inquietud cultural y artística que, al mismo tiempo, ofrece nuevas perspectivas a los ciudadanos de una comarca cuya principal actividad es la agricultura, especialmente olivos, almendros y cereales. Oportunidad muy especialmente indicada para que los jóvenes contemplen como esta pequeña población de Les Garrigues abre nuevos horizontes para el desarrollo de sus inquietudes.

El propio Sergi Quiñonero nos facilita la relación de entidades e instituciones que  han unido sus esfuerzos para hacer realidad un sueño para todos ellos:

El CCOC Centre de la Cultura de l’Oli de Catalunya de la Granadella, la Vinya dels artistes del celler Mas Blanch i Jové de la Pobla de Cérvoles, el Camí dels 7 sentits y Museu Pruna de l’escultora Marta Pruna de Cervià de les Garrigues y el Centre d’Interpretació d’Art Rupestre de la Roca dels Moros del Cogul han unido esfuerzos para promocionarse conjuntamente con la propuesta “Camins d’art”.

Obra: “El cor del mirador”, de Susana Malagón
Obra: “Punts supensius…”, de Sergi Quiñonero

Pero la jornada aún tuvo otros alicientes como la excelente degustación de una deliciosa gastronomía que pudimos disfrutar en el centro de la villa y un posterior debate sobre las profundidades del alma humana y la naturaleza del arte. Finalmente acabamos la jornada rindiendo homenaje al pintor recientemente fallecido y residente en La Granadella Oriol Moragas Maragall, con una visita muy emotiva a su estudio de la mano de su compañera Sissi Salinas.

Nuestro anfitrión en una de sus intervenciones

http://www.culturadeloli.cat/ccoc/

Setiembre 2020

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IBIRICO : PLIEGOS DE LA VISIÓN N.106 “SERENDIPIA”

IBIRICO Pliegos de la Visión n. 106. De nuevo uno de los grandes de visualismo internacional de la Poesía Visual y Experimental en la increíble colección de Babilonia. Esta vez se ve acompañada de una introducción de un histórico de la materia: Ignacio Gómez de Liaño. Es un prólogo amplio, y del mismo vamos a destacar cuatro anotaciones.

…//…Cuando Ibirico me envió serendipia, lo primero que se me vino a la cabeza fue la palabra “Serendipity” y cómo descubrí esa palabra que es, por sí misma, un emblema de hallazgos y descubrimientos…//…

…//…Cuando volvemos los ojos a serendipia, lo que vemos es que el Monte de la Musas se ha transformado en el País de los Hallazgos y las Maravillas. De HELICÓN hemos pasado a serendipia…//…

…//…Al titular estas páginas “Viaje a serendipia” he tenido en cuenta no solo que el autor nos invitaba a hacer un viaje a ese fantástico país, sino también que Ibirico ha sido un gran viajero que, en vuelos sucesivos e interminables, ha recorrido numerosos países del Viejo y, sobre todo, del Nuevo Mundo. …//…

…//…Pienso que serendipia es el país al que siempre soñó viajar Ibirico y que, como no lo encontró en ninguna parte, resolvió crearlo….//…

https://www.rtve.es/alacarta/videos/la-aventura-del-saber/aventura-del-saber-boek-visual-ibirico/2550747/

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Ausencia

Se acostumbró a la ausencia de tu presencia.

Sus paseos se alargaron, el whisky se acortó.

A veces le sorprende tu silueta entre la multitud y mira hacia otro lado como si realmente fueses tú.

Se acostumbró a la presencia de tu ausencia.

En ocasiones escucha tus palabras en labios de otro, y se enoja, discute contigo.

Pero no le importa, porque sabe que llegará la noche, y con ella los sueños.

Entonces serás real, más fuerte y protector, más íntimamente próximo.

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EL COVID 19 Y UNA PROPUESTA DE POESIA VISUAL: NPP

David Trashumante es un activista cultural de altos vuelos. Pero además es un asesor sagaz para combatir de manera eficaz   el periodo de confinamiento que nos han impuesto por el Covid 19. Asi que aquí va su original propuesta y el honor de haber sido invitado a participar en estas jornadas de la Universidad de Valencia / CRC

BARTOLOMÉ FERRANDO

TEXTO DE DAVID TRASHUMANTE (Comisario de los Encuentro NPP en la Facultad de Filología de la Universidad de Valencia)

Si eres de las personas afortunadas que por el confinamiento dispones de tiempo para hacer cosas que en tu día a día no podías hacer (estudiar, por ejemplo) y te interesa la poesía. Te propongo que te veas las conferencias que entre 2015 y 2018 impartieron Dionisio CañasCelia Corral CañasBartolomé FerrandoAlberto García-TeresaClara López CantosCesar Reglero, Nilckhil Melchenuk, María Salgado, Eduard EscoffetAgustín Fernández Mallo, Álex Saum, Mª Ángeles HermosillaGonzalo EscarpaAntonio Gómez, Óscar Martín Centeno, Eugenio Tiselli, Pepe BuitragoMartín Rodríguez Gaona o Mónica Caldeiro en el seminario ¿Nuevas Prácticas Poéticas? de la Facultat de Filologia, Traducció i Comunicació (UVEG).

Prodrás saber más sobre Poesía de la Conciencia Crítica, Poesía Pop Tardoadolescente, Polipoesía, Poesía Fonética, Sonora, Visual, Objetual, Spoken Word, Pefopoesía, Ciberpoesía, Holopoesía, Poesía Trasmedia, Poesía Participativa, Postpoesía o Lenguage poetry:

2017-2018: http://davidtrashumante.es/seminario-2017-18
2016-2017: http://davidtrashumante.es/2017-sem
2015-2016: http://davidtrashumante.es/2016-sem

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Ibírico, Reglero, Valdor y Alcalá: «El Mail Art es el arte más democrático. Con un simple sello, puedes participar»

NOTA PREVIA. Esta entrevista radiofónica celebrada  en la Emisora Espacies (Revista de Cultura de los Infraordinario)  fue publicada el 14 de enero del 2019. Su reedición es pertinente un año después, en enero del 2020 por  cuanto el MideCiant se dispone a celebrar su 30 aniversario siendo estas donaciones de mail art las que van a constituir un punto central del mismo que se remata con una convocatoria realizada por desde su sede y que van a poner en conexión la historia pasada y presente del arte postal en una exposición conmemorativa en la UCLM.

César Reglero.- El Mail Art es el arte más democrático que existe. Con un simple sello, tú participas en la convocatoria, en una exposición, en un evento, en un experimento y es cierto…sin censura, sin jurado, sin selección…todos pueden ser artistas, o sea que son parámetros que rompen con todo lo establecido. El problema es cuando tienes que decidir entre comprar un sello o comerte un bocadillo, que es lo que pasa en África y en zonas de Asia. Entonces llega la paradoja de que siendo el arte más democrático del mundo, hay zonas del mundo que no llega al sello siquiera. Cuando ves un mapa de los participantes en una convocatoria de Mail Art, encuentras participantes de Europa, América del Norte y del Sur, pero luego zona de Asia y zona de África, no hay ni uno porque tienen que decidir entre comprar un sello o comprar un bocadillo, es algo a tener en cuenta.

El C1425 de Buenos Aires, el 28050 de Madrid o el 29007 de Málaga tienen en común que todos nos remiten a calles que se llaman Jorge Luis Borges. Allí quizá espere alguien la postal que trae la respuesta a la última frase dictada el maestro: “Norah, siempre pienso en ustedes y en el jardín desde el balcón”.

A través de estos rectángulos de cartón de nueve por trece centímetros a los que se llamaban postales podemos recomponer la vida cotidiana que los libros de historia dejaron fuera.

Recientemente tres de los principales autores y coleccionistas del Mail Art en España como son Ibirico, César Reglero y Salvador Benincasa, han donado sus colecciones particulares al CAAC (Colecciones y Archivos de Arte Contemporáneo) de la Universidad de Castilla-La Mancha ubicadas en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. A la cita acuden acompañados del catedrático Procedimientos Gráficos de Expresión y Tecnologías de la Imagen y director de las CAAC, José Ramón Alcalá. También nos acompañó en esta conversación Beatriz Escribano,  jefa de colecciones del MIDE y experta en Mail Art. Con ellos, hemos hablado de mail art tratando de reconstruir a través de él a una historia del arte diferente y heterodoxa.

Para ponernos en contexto: ¿En qué consiste esta colección, cúal es su importancia? ¿Cómo se integra esta colección de Mail Art en un museo Media Art?

José Ramón Alcalá.- Lo primero que hay que hacer es agradecerles muchísimo que hayan confiado en nosotros, en la Facultad de Bellas Artes, en un museo tan raro y específico como es el Museo Internacional de Electrografía de Cuenca. Se trata de una colección formada por tres colecciones al mismo tiempo, que de alguna manera cuentan la historia del Mail Art. El Mail Art es el arte postal, el Mail Art es una vanguardia artística, una serie de prácticas que surgen a mediados de los 50, cuando ya empieza a haber una cierta capacidad para mover, para multiplicar información, porque la idea es meter en sobres y mandar por correo postal a otros artistas nuestras creaciones.

Creaciones que de alguna manera también tendrán un regreso. Esta práctica intoxicó a muchos movimientos; es decir, esta práctica insufló ideas, innovación, insufló activismo a movimientos tan importantes de la mitad del siglo XX, como fueron el Arte Conceptual o el Fluxus, Happening, y también a otras técnicas como el Copy Art o el Fax Art.

Y ese patrimonio es el que en estos momentos tres artistas muy representativos de Mail Art, como son Ibirico, Valdor y César Reglero, recopilan y constituyen una colección que tiene un relato. Una colección que ha sido donada al Museo Internacional de Electrografía.

Beatriz Escribano.- Nosotros hacemos la continuación de la línea. Los primeros artistas que utilizaron la fotocopiadora fueron de hecho mail-artistas, para ayudar a multiplicar las obras y poder enviarlas.

Por eso para nosotros se trata de completar la línea histórica que estamos haciendo desde las primeras fotocopiadoras en blanco y negro hasta lo digital, y sobre todo a través de una tecnología que se está utilizando en los últimos años que es la Media Archeology, que trata de estudiar eso, lo que es la arqueología de los medios que estamos empleando ahora: fotocopiadora, faxes, etc.

¿Cúal es la pieza iniciática de vuestra colección?

Ibirico.- A raíz de estar aquí en Cuenca, precisamente en un taller de electrografía con Rubén Tortosa y con José Ramón; a partir de ahí me vino la idea de hacer un fanzine y de instituir la asociación de mail-artistas españoles. Contacté con los más importantes y empecé a editar un fanzine que fotocopiaba, pero que antes lo hacía prácticamente artesanal, pegando, haciendo una especie de collage. Y a partir de ahí, en ese fanzine se ponían todas las convocatorias, convocatorias de lo más loco. Luego seguí haciendo Mail Art.

Es muy interesante viendo el resto de artistas o el resto de conceptos de artistas, como el Mail Art tiene un componente colectivo de trabajo colectivo, no se entiende el arte individual

Valdor.- No, individual no.  Yo puedo hacer una postal, me la guardo. No tiene sentido. En mi caso creo que nací postalero sin saber que existía el arte postal. Sin saberlo, porque yo a mis amistades, desde niño, siempre les dibuje postalitas por cumpleaños o celebraciones. ¿Por qué iba a comprar una postal de estas prefabricadas, pudiendo hacerla original?  Y en Navidad lo sigo haciendo todavía, envío unas 220 postales, todas trabajadas con una base, pero cada una trabajada.

Reglero.- Cuando a través de otro colega descubrí un mundo de arte postal, fue precisamente una vez que participe en una actividad organizada por el amigo Ibirico y claro a partir de ahí me complique más.

¿Cual sería el futuro soñado de esta colección?

José Ramón Alcalá.- El futuro de esta colección es que haya un sitio en el mundo donde de manera institucional, existe un relato que ponga en valor y que sea capaz de difundir a través de los medios más capaces y eficientes de difusión, una actividad que es la manera de poner en funcionamiento muchos nuevos paradigmas del arte contemporáneo que surgen en la segunda mitad del siglo XX.  Es decir hemos hablado de colectivización, hemos hablado de multiplicar la imagen, hemos hablado del “feedback”, hemos hablado de cosas que hoy son la base del arte actual, del arte digital, pero que hubo un previo que ya conceptualmente estaba preparado para ser hecho y hecho con lo que eran medios analógicos.

Esta colección debería de alguna manera, convertirse en algo más que una colección, es decir convertirse en el relato de esos archivos que construyen una historia, en base a un patrimonio real, un conocimiento sobre él y una estrategia de incorporación de inclusión y de contextualización en la historia del arte. Es decir, lo que vengo a explicar es que el valor que podía tener esta colección como otras que tiene el MIDE es rellenar las lagunas, que en la historia del arte contemporáneo sigue existiendo, porque la historia del arte, la cuentan los grandes museos. Sólo lo que está en los grandes museos, es lo que pasa y es llamado historia del arte. Entonces los grandes museos, van siempre muy atrás, porque para que algo esté en el museo, necesita que haya coleccionismo. Para que haya coleccionismo, necesita que haya deseo. Y que para que haya deseo, necesita que haya conocimiento. Hasta que este proceso no se produce, el museo no se interesa por ello.  Hay mucho academicismo en los grandes museos de arte contemporáneo y hay prácticas que definen mucho mejor nuestra contemporaneidad, que por no tener todavía un relato, no están ocupando ese lugar en los museos que dicen que están hablando de nuestro tiempo.

¿Es un arte sincrónico y global?

César Reglero.- El Mail Art es el arte más democrático que existe. Con un simple sello, tú participas en la convocatoria, en una exposición, en un evento, en un experimento y es cierto…sin censura, sin jurado, sin selección…todos pueden ser artistas, o sea que son parámetros que rompen con todo lo establecido.

El problema es cuando tienes que decidir entre comprar un sello o comerte un bocadillo, que es lo que pasa en África y en zonas de Asia. Entonces llega la paradoja de que siendo el arte más democrático del mundo, hay zonas del mundo que no llega al sello siquiera. Cuando ves un mapa de los participantes en una convocatoria de Mail Art, encuentras participantes de Europa, América del Norte y del Sur, pero luego zona de Asia y zona de África, no hay ni uno porque tienen que decidir entre comprar un sello o comprar un bocadillo, es algo a tener en cuenta.

Valdor.- Según qué zona, por ejemplo el sur de Chile, existe una comunidad mapuche, todavía con toda la democracia en el mundo que puede haber, se controla lo que se manda.

¿El Mail Art tiene componente político?

Valdor.- No es obligado, pero digamos que esencialmente en Sudamérica sí. Allí lo hemos utilizado como defensa.

César Reglero.- Más que político, es voluntario. El Mail Art tiene una base que ya propicia la solidaridad, la colaboración, la defensa de la libertad de expresión, pero ya por su propia base, no porque la base diga que pertenecemos a esto, ni a la izquierda ni a la derecha, ni a nada.

¿Por qué no ha llegado a entrar en los canales comerciales, ni en las grandes colecciones?  

Valdor.- Una de las bases que tratamos de mantener es que es anticomercial.

Ibirico.- Ha habido intentos. Galerías que han intentado vender Mail Art. Nos hemos negado rotundamente y además lo hemos denunciado, porque es un arte, digamos que tiene el valor, pero no un valor crediticio.

Valdor.- No he discutido con nadie, simplemente lo he quitado de mi lista. No está escrito en ningun lado pero está escrito en los corazones que evidentemente hay personas con un jerarquía artística excelente, pero que no. Dedicate a vivir del arte, pero de otra cosa, no del Mail Art.

P.- ¿Pero eso supone el amateurismo del artista?

Reglero.- No es un arte de amateur, es un arte total, es la idea de toda disciplina artística, el concepto de todos son artistas, porque no hay selección de jurado, no hay dinero.

Ibírico.- De hecho hay muchos artistas que hacemos Mail Art, pero después tenemos una trayectoria como artistas. Yo hago exposiciones de pintura y vendo. También hago grabado y poesía visual. Una cosa no está reñida con la otra.

Reglero.- El Mail Art está considerado el movimiento masivo de arte más grande de toda la historia. Por eso, hay que preguntarse por qué después de sesenta años sigue siendo el movimento de arte más masivo. Algo tiene. El corazoncito. El sentimiento.

Además tiene una peculiaridad muy interesante que es que resulta que cuando no hay selección, ni jurado, ni dinero, ni institución, entonces te queda la creación en estado puro.  Cuando estás pendiente de un mercado y pendiente de una obra, tú te atienes a lo que se compra. Es una gozada el quitarte todo ese lastre de encima y hacer lo que te dé la gana, en el formato que te dé la gana y en el soporte que te dé la gana. Eso tiene mucho que ver con que siga siendo masivo después de 60 años

.P.- ¿Existen estilos y corrientes dentro del Mail Art?

Valdor.- Cada uno tiene una línea general y una forma de ser. Las técnicas son libres. No hay estilos obligados para nadie.

P.- ¿Cuántas piezas forman la colección donada?

César Reglero.- Cinco mil originales, con una característica que es que en el mundo del Mail Art hay muchas ramificaciones. Obras originales dentro de libros, fanzines, colecciones, variaciones.

José Ramón Alcalá.- La electrografía para el Mail Art es una forma técnica, totalmente inédita que va a permitir hacer algo radical, underground y revolucionario.  Es decir vamos a poder poner la obra de arte, en un soporte basura, que sea capaz de ser metido en un sobre y que cuando llegue a destino se despliegue y siga siendo una obra de arte. En segundo lugar, como se va a reproducir tantas veces, de entrada no va a poder tener valor, porque va a ser reproducible, infinitamente.

Entonces ya estamos entrando en una serie de características que es a lo que al Museo Internacional de Electrografía (MIDE) le interesa del Mail Art. El museo atiende a las técnicas electrográficas porque son instrumentos, son técnicas, son procesos que en el fondo son conceptualizaciones, de la manera en la que va a haber un nuevo arte.  Y ese nuevo arte va a cambiar los paradigmas del arte de siempre. Entonces el arte de siempre ha sido caro, ha sido único, ha estado firmado, ha sido de autoría, ha estado en soportes nobles, ha estado colgado en las paredes de los museos.

Gracias a estos procesos electromecanicos y luego digitales, el arte se va a poder hacer de una manera completamente diferente. Es decir, multiple hasta el infinito, con autoría multiplicada, o sin autoría, en soportes que se pueden arrugar y meter en el bolsillo, que no hace falta colgar en una pared, que pueden llegar a cinco mil personas al mismo tiempo, y esa es la conexión. Lo que el museo de electrografía agradece al Mail Art, es que entra de repente un movimiento activista, que ha sabido dinamitar ese proceso. El mail como idea de convocatoria, no está sino oponiendo a las bases de lo que hoy son las convocatorias por internet.  Cuando la gente hace el movimiento #MeToo o cuando la gente hace una quedada a través del movil y tres mil personas quedan en una plaza, esta idea ya estaba fundada en el mundo analógico por el Mail Art. Es la misma idea. Por eso es tan importante que mis alumnos que están ideando ser activistas a través de internet, a través de las redes sociales, a través del mundo digital y de la sociedad digital en la que viven, comprendan que habido artistas que antes de existir estos medios que ya han conseguido llevar a máximos la idea. La necesidad estaba creada y la estrategia estaba puesta en funcionamiento. Eso era el Mail Art.

Entrevista realizada por: Elena MuñozInés Villodre y Jose An. Montero / Fotos: Alex Basha

Ibírico, Reglero, Valdor y Alcalá: «El Mail Art es el arte más democrático. Con un simple sello, puedes participar»